LO MEJOR DEL 2006 (PARTE 1)

Trivium: “The Crusade”

Autor del artículo: Zorlac

Al tratar de hacer un recuento medianamente objetivo de lo que nos dejó el 2006, en términos musicales, mi inconciente me traiciona y sólo atino a pronunciar un nombre: “The Crusade” de Trivium.

Sí, porque la banda de Florida nos demostró que el viejo y querido thrash estaba más vivo que nunca, que aunque estemos viviendo en pleno siglo XXI podemos volver a esos años gloriosos del “metal old school”. Y ojo, que no se trata de un revival trasnochado ni un tributo a viejas glorias pasadas (a lo Creedence Clearwater Revisited o The Doors). Nada de eso; la banda de Matt Heafy, Corey Belieau, Travis Smith y Paolo Gregoletto nos demuestra que pueden hacer un disco “a la ‘80s”, pero que suena moderno y sólido.

Esta obra maestra parte con un tándem espectacular: “Ignition” y “Detonation”, suenan thrasheras, agresivas, con una vocalización a medio camino entre James Hetfield y Chuck Billy. El doble bombo no para de machacar tu cabeza, en dos composiciones que parecen haber sido ensayadas 365 veces en un año antes de entrar a estudio.

“Entrance of the Conflagration” destaca por la armonía vocal trabajada por ambos guitarristas, y no hace más que pavimentar el camino para el siguiente golpe en pleno rostro: “Anthem (We are the Fire)”, en donde se dan el lujo de coquetear con sonidos más heavy clásicos, tipo Sid Row o Judas Priest. Sin duda, tal como lo señala su título, será uno de los himnos de esta década. No exagero al decir que me provocó la misma sensación que escuchar por primera vez el “Breaking the law” allá por mediados de los ’80.

“And sandness will sear” nos muestra una veta más oscura y pausada, quizás recordando al Paradise Lost del Draconian Times. El thrash vuelve como guía inspiradora en las excelentes “Becoming the dragon” (con una lírica bastante pobre, digámoslo) y “To the rats”.

Como broche de oro, el disco termina con “The Crusade”, un instrumental de más de 8 minutos de duración, en donde estos pendejos de Orlando nos demuestran que, a pesar de su corta edad, (el mayor no supera los 21 años), no se achican al momento de componer piezas épicas ejecutadas con una técnica instrumental realmente destacable.

En fin, detallar cada corte parece casi un ejercicio inútil. Quizás su apuesta no sea muy novedosa, quizás su adoración por Metallica sea muy evidente y los persiga por siempre. Pero sólo de una cosa tengo certeza: al momento de poner play, este disco te transportará 20 años atrás y volverás a sentir la energía y la rebeldía adolescente del thrash ochentero. Y eso, para alguien que ya superó la barrera de los 30…. es francamente impagable.

Ficha Técnica
Banda: Trivium
Título: “The Crusade”
Fecha de lanzamiento: 10/10/2006
Sello: Roadrunner records
Productor: Jason Suecoff

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ROCK Y ROMANCE BAJO LAS SOMBRAS DEL BLUES

En el último tiempo y durante buena parte de él, me he dedicado a desempolvar aquellas viejas grabaciones de unas de las bandas de Hard Rock más calientes de la historia del género, me refiero a Whitesnake, una agrupación que si bien no es de las más populares, sin duda cuenta con una gran legión de incondicionales seguidores en todo el orbe convirtiéndola en melodías y palabras de culto.

Para los que conocen sólo aquellos discos rompe records que son el 1987 y Slip of the Tongue, trabajos de gran factura sin duda, es indispensable que sepan que existe una extensa historia detrás, que viene aproximadamente del año 1978 con placas inundadas con la pasión del blues y la suavidad del soul acercándose paso a paso al poder del rock que mostró a finales de los ochenta. En aquellas grabaciones el Sr. Coverdale se hizo acompañar de músicos de la talla de Micky Moody, John Lord, Ian Paice quien fue reemplazado por el gran Cozy Powell en 1982, entre otros. En esta época sacaron placas llenas de sexualidad, con esas letras cachondas de romances momentaneos, obsesiones y fantasías ocultas pero siempre con una insuperable dosis de amor, un ambiente conocido como ROCK AND LOVE que a estas alturas es casi un subgénero del Hard Rock patentado por David Coverdale como maestro y mentor.

Trouble, Lovehunter, Ready an' willing, Come an'get it, Saints & Sinners, Slide it in, conforman la seguidilla de discos que contienen estos temas bíblicos que hoy se plasman en un tremendo e inigualable trabajo en directo llamado Live In the Shadow of the Blues ¿un complemento del DVD Still of the Nigth? Diría que sí, pero con la diferencia que incluyeron varios temas que no están en el registro audiovisual privilegiando justamente aquella etapa blusera e introduciendo algunos cortes de los discos más conocidos que tampoco aparecen en el DVD, todo esto acompañado del aroma de los clásicos, por tanto para los amantes de la serpiente resulta ser un material de lujo que además nos acaricia con 4 temas nuevos de estudios que ponen a los Santos y Pecadores nuevamente en la cima del rocanrol.

Mención aparte merece la banda que Coverdale conformó para esta etapa. Sin duda a equivocarme es lejos la más sólida que ha tenido y en vivo resulta una verdadera máquina. Grande fue mi sorpresa al enterarme que la alineación no era la misma del DVD y parece que Coverdale se empeña en las variaciones con sus músicos, y a diferencia de lo que vemos en la tele - cerveza en mano y disfrutando con nuestra chica - en vez de Marco Mendoza, ahora el bajo es ejecutado por Uriah Duffy que recientemente había deslizado sus dedos en Scorpions. De esta manera la serpiente blanca se arrastra por las sábanas de su rock and roll con Doug Aldrich (ex-Bad Moon Rising y Dio) y Reb Beach (ex-Winger y Dokken) en guitarras, el tremendo Tommy Aldridge en batería, Uriah Duffy en bajo y Timothy Drury en teclados. Aldrich y Beach hacen un dupla de guitarras impresionante, músicos seguramente elegidos por su grandeza interpretativa y además por la sobriedad sobre las tablas, cosa que tanto gusta al Lovehunter para mantener su protagonismo escénico. Todos de la mano con el poderío de un bajo y batería demoledor.

Sin duda es una placa dulcemente satisfactoria para los fanáticos del romance rocanrolero de Whitesnake y para aquellos que recién lo saborean. Un paseo que acaricia 28 años de Rock and Love ilimitado con músicos de excepción, con un sonido de lujo y con el mejor frontman en vida de la historia del Hard Rock dando cuenta de aquella vieja frase que alguna vez Ac/Dc tiró al mundo "It´s a Long Way to the top if you wanna rock and Roll"... Whistesnake ya lo recorrió y llegó a la cima hace rato pero nunca se cansa de gritar al mundo HERE I GO AGAIN BABY...que esta noche te daré un poco de amor.

Live in the shadow of Blues

Disco 1:

1. Bad Boys 2. Slide It In 3. Slow An' Easy 4. Love Ain't No Stranger 5. Judgement Day 6. Is This Love 7. Blues For Mylene 8. Snake Dance 9. Crying In The Rain 10. Ain't No Love In The Heart Of The City 11. Fool For Your Loving 12. Here I Go Again 13. Still Of The Night

Disco 2:

1. Burn Stormbringer Burn 2. Give Me All Your Love Tonight 3. Walking In The Shadow Of The Blues 4. Deeper The Love 5. Ready An' Willing 6. Don't Break My Heart Again 7. Take Me With You 8. Ready To Rock 9. If You Want Me (I'll Come Running) 10. All I Want Is You 11. Dog. (estudio).

Para bajar

Live in the shadow of the blues parte 1.

Live in the shadow of the blues parte 2

4 temas nuevos en estudio

VOLVIENDO A LAS CALLES POR UN POCO DE ROCANROL

Recuerdo que hace algunos años, en una calurosa tarde santiaguina y con un par de chelas heladas en un tugurio del centro, entrevisté para una revista metalera electrónica al vocalista Fredy Alexis. En ese entonces el mundillo rockero local aun se tambaleaba con su alejamiento de Inquisicion, sin embargo el no se había quedado de brazos cruzados y junto a excelentes músicos parían la primera placa de su nueva banda llamada Witchblade, golpeando la mesa con un Power Metal de buena factura. De esa forma comenzaba a abrirse paso por la carretera que ya varios conocemos muy bien lo que depara. Han pasado algunas temporadas y este 2006 lanzaron el larga duración MMVI, una placa de 12 temas llenos de heavy/rock directo, potente y con un sonido buenísimo. Una excelente producción nacional sin duda alguna.

El disco se introduce con War is Coming, un notable comienzo que me recuerda a Lord of the Ring (o conociendo a algunos integrantes de esta banda diría que Lord of the RON) para dar paso a la potente Metalizer, un corte heavy metalero muy de la vieja escuela, potente, con una batería que patea cabezas y un riff demoledor que se complementa con un segundo solo de guitarra de aquellos. Gran tema para dejar establecido que Witchblade viene con una propuesta diferente a lo que había mostrado, a mi parecer mucho mejor porque si algo falta en Chile son bandas que cultiven el Heavy Metal clásico, el de bolas, tachas y cueros, y creo que en ese aspecto sólo podría rescatar bandas como Raining, Inquisición, Battlerage y ahora Witchblade. Pero bueno, ese es análisis para otra ocasión.

Old Gods in a new cosmos, se viene sin aviso con un cautivante riff en que bajo, batería y guitarras se unen para dar vida a uno de los temas mejores logrados. La interpretación vocal es mejor que en la canción anterior y los coros tienen líneas melódicas que contrastan la agresividad de la base rítmica. Además nos regala un sólo de batería que lleva directo a un quiebre rítmico de la puta madre que sirve de base para el soleo de las guitarras que definitivamente se lucen. Temón por donde se escuche.

The Statement, es un corte de poco más de dos minutos lleno de poder, me recuerda mucho a ciertos trabajos de Megadeth tipo Rust in Piece, insisto, es un disco lleno de influencias clásicas, de la vieja y querida escuela ochentera.

A contar del quinto tema, entra en una etapa algo más tranquila, el tema Back on the Streets es la antesala a esta metamorfosis que nos pasea a través de caminos mas rocanroleros, una composición en que el baterista y las guitarras con sus solos de mil dedos se roban el protagonismo. En términos de percusión la composición está llena de detalles, adornos y un derroche de técnica que no da lugar a dudas de ningún tipo, ya podemos asegurar que estamos ante un gran disco de rocanrol. Y como tal no pude faltar aquella balada, pensada para gozar con la lola de turno y decirle palabras de amor bajo la luna y una botella de tinto al mas puro estilo coverdeliano con el único fin que todos sabemos…que nos abran las puertas del cielo. Para ello, este Cd nos regala Lone Star, una canción llena de hermosos arreglos basados en piano y violín.

El rocanroleo tiene su apogeo con On the Road, ¿hay acaso un título que refleje mejor el espíritu del rock? En la carretera, el eterno destino, aquella postal del rockero caminando por la ruta con su guitarra al hombro, lo cual se plasma con frases como “Im on the road ready to win…Side by side, racing hard whithout fear” sencillo y directo.

Luego a cabecear con Surround In Your Space para dar paso a otra balada llamada The Heat Of Our Love, tema que en rigor no me cautivó mucho, pero en ningún caso sobra en esta producción.

Manu Tara continúa la seguidilla de temas notables, con una tremenda actuación del bajo y una base bastante power metal, mención a parte merece la letra, creo que junto a On the road son las mejores trabajadas y la historia es entretenida y original. A decir verdad en materia de “pluma” no encuentro muy interesante el trabajo de la banda, quizá en ese aspecto podría criticar a una agrupación que musicalmente alcanzó una madurez notable pero que, desde mi tribuna, veo que no va de la mano con la composición lírica.

Para concluir, Hot Staff, notable tema Hard Rock, coveriado de la tremenda Donna Summer, "la idea de hacerlo fue rememorar esas canciones viejas que escuchabamos inconcientemente en la radio cuando pendejos..." contó en alguna oportunidad Vuletich, bajista de la banda. Temazo que cuenta con coros pegajosos hechos para vacilar, levantar las copas llenas de cerveza helada y espumosa gritando ¡ROCANROL HASTA LA MUERTE, MIERDA!

Witchblade es:

• Felipe Vuletich Bajo y Voz
• Juan Pablo Hermosilla, Batería y Voz.
• Fredy Alexis, Voz.
• Matías Vidal, Guitarra y Voz.
• Claudio Aguayo - Guitarra.

Para bajar el disco (contamos con permiso de la banda para ceder este link)

• MMVI

Discos Indispensables III

RIDE HARD, RIDE FREE

Comenzando los años noventa, la escena Heavy Metal más pura se veía algo disminuida cuando MTV irrumpía con fuerza sacando al aire grupos de juguete, modas pasajeras y considerando además que ya había pasado un par de años en que las bandas emblemáticas del género no lanzaban nuevo material que nos remeciera el cogote como solía ser. Sin embargo, cuando la preocupación se respiraba en el ambiente, los reyes del cuero y el metal, de la tacha y el acero, el icono del Heavy Metal en su más pura expresión, Judas Priest, nos azota en 1990 con el tremendo disco llamado Painkiller, su trabajo número 15 entre estudios y registros en directo, lanzado por Columbia y bajo la producción de Chris Tsangarides.

El Sacerdote Judas venía rengueando y aún golpeado de las duras críticas que habían recibido sus dos discos anteriores – Turbo y Ram it Down (discazo por cierto)- sin embargo, regresaban dispuestos a retomar el sitial que en algún momento se vio amenazado por una mala racha que a cualquier grande se le puede atribuir. De esta manera la dupla de 6 cuerdas Tipton - Downing, el bajo de Hill y la voz de Halford entraron al estudio reclutando a quien sería el gran acierto y sin duda el responsable del nuevo sonido de Priest, el baterista Scott Travis, un animal, una verdadera máquina tras los tarros.

Siempre he dicho que cuando un baterista entra a un grupo este debe ser presentado como corresponde, mostrando desde el primer segundo aquello que los fans pueden esperar. Y esta no fue la excepción, apenas pones play una ráfaga de redobles, dobles bombos y platillos entran directo al cerebro diciendo te voy a moler la cabeza durante los próximos 46 minutos. Todo esto acompañado del demoledor sonido de las guitarras que nunca antes habían tenido. Así el primer corte, Painkiller, que le da el nombre al disco, deja claro que otra vez Judas daba un paso más que sus contemporáneos extendiendo el límite de una corriente que sigue manteniendo la esencia de sus raíces.

Sin dar respiro, de inmediato nos contraatacan con Hell Patrol, mi tema favorito en esta placa. Travis sigue mostrando toda su solidez y manejo técnico donde la sencillez de la base de caja y doble bombo entregan el peso suficiente para que las guitarras acompañen de manera perfecta la interpretación fantástica de Halford. El bajo, como siempre sucede en los discos de esta banda tiene un perfil menor pero por eso no menos importante, cosa que no sucede en vivo, donde el poder y peso de Judas pasa justamente por la férrea pared que impone Ian Hill en las 4 cuerdas. “Terrorize you, Pulverize you, Gonna cut to the bone as you groan and they'll paratamize you”…el mensaje es claro y preciso.

No hay lugar a interpretaciones, apenas 7 minutos fueron suficientes para afirmar que Painkiller es la gran placa de aquel año, no cabe duda que Judas Priest sigue marcando pauta después de casi 20 años de carrera en ese entonces con muchos clásicos y grandes trabajos a sus espaldas. Y simplemente no dieron tregua, la seguidilla de temas diabólicamente elegantes y destructores no se detienen ante nada, dejando el eco del choque de metales en el aire como fuertes estruendos de magnificencia. All Guns Blazing y Leather Rebel son el puente perfecto para el ataque frontal de Metal Meltdown. “Here comes the Metal Meltdown, Run for your lives, Can't stop the Metal Meltdown No-one survives”. Esa es la consigna, un disco sólo para iniciados, para quienes llevan el cuero y el metal, la tacha y el acero en las venas y el corazón.

Luego viene lo que para mi es una segunda parte, con melodías más “tranquilas” pero sin dejar de aplastar. De esta manera podemos distinguir a la gran Night Crawler, con una magistral interpretación de Mr. Halford nos indica que todo se dirige derecho al infierno, mejor no mirar hacia atrás y simplemente tener cuidado con la bestia que seguirá amenazando durante 4 temas más. Este corte tiene sin duda dos notables características, la primera es la interpretación vocal que entrega una atmósfera aterradora la cual está acompañada de juegos de guitarra y cambios de ritmo que no hacen más que armar un escenario infernal en un tema que no es precisamente violento ni rápido, pero que entrega los elemento necesarios para convertirse en un clásico del metal.

Siguiendo en la misma línea melódica viene la inquietantemente titulada Between The Hammer & The Anvil, simplemente imaginarse estar en esa situación grafica lo que el disco nos da. Todo el armamento de guitarras es espectacular, sendos solos de Downing y Tipton no hacen más que confirmar porque es considerada una de las duplas más sólidas en la historia del Heavy. Una oda a la técnica de las 6 cuerdas.

El disco continúa con Touch Of Evil, Battle Hymn y One Shot At Glory, cerrando de manera magistral, gloriosa y con elegantes toques de maldad un trabajo que fue la pauta para las grabaciones heavy metaleras de la vieja escuela en la década pasada. No cabe duda que Priest encontró la formación perfecta para entrar como los reyes que son y gritar al mundo que el Heavy Metal jamás se vería vapuleado por la presencia de banditas de juguete, seudo depresivas catapultadas por la pantalla chica. El Sacerdote es una escuela y su palabra es ley lo cual quedó impregnado en 1990 con Painkiller. Judas habló fuerte y golpeado…palabra que es verdad.

Temas a bajar

1.- Painkiller

2.- Hell Patrol

3.- Metal Meltdown

4.- Nigth Crowler

Slayer en Chile - Septiembre 2006

Viernes 8 de septiembre 5:30 a punto de retirarme y me llega trabajo de última hora. La adrenalina sube, mis manos transpiran y en lo único que pienso es irme luego a cambiarme ropa y juntarme con los amigotes en Pedro de Valdivia con Grecia. Recién a las a las 5:45 logro sacarme el cacho y salgo raudo al metro, el tiempo corre y la expectación crece minuto a minuto…llego a mi depto. me pongo mis jeans regalones mi polera nueva tres cuartos mi jockey y salgo en un taxi rumbo al nacional.

Esta noche toca Slayer por primera vez en chile la formación clásica, Tomás Enrique Araya , Dave Lombardo, King y Hanneman me junto, como es clásico, en una choperia , al llegar noto de inmediato que esto se ve como un lleno completo las calles llenas de jóvenes y algunos no tanto vestidos de negro. Luego de su merecida y refrescante cerveza me dirijo junto a unos amigos al velódromo del nacional son las 8:50 y estoy en boletería logro pasar sin problemas y llego a la cancha. Lo que más me llamó la atención al entrar fue ver el lleno casi completo del recinto sólo comparable con el lleno que provoco AC/DC en su momento, en las galerías se ven barristas alentando en vez de su equipo a Slayer, los ánimos y la expectación sube hasta que alrededor de las 9:10 sale a escena la banda norteamericana….el público salta y vibra yo mismo no la puedo creer debo reconocer que hacia mucho tiempo que un recital no me provocaba tanta expectación como este, las bengalas se ven en medio de una cancha casi asfixiante y comienzan los primeros acordes de ‘Darkness of christ’ seguida de ‘Disciple’ del “God Hates Us All” comienzan a liquidar mis neuronas todos comienzan a saltar …el infierno se ha desatado… a medida que siguen los temas noto que el sonido no es de lo mejor muy bajo la batería no luce en su esplendor y la guitarra de King se pierde. En el tercer tema el sonido mejora notablemente, mientras siguen las canciones pienso en la contundencia de esta banda de verdad hay que decir que se nota el aporte de Dave Lombardo, es el verdadero motor y alma de esta banda. Termina un tema y Tom Araya mira al público en silencio sin hablar, la gente grita shiiileno shiiileno, a los pies de la batería hay una bandera chilena con las letras de Slayer.

Suena el tema Cult del “Christ illusion, gran álbum que fue uno de los gatillantes a que yo asistiera por tercera vez a ver a slayer, luego de este tema el velódromo se vino abajo con el siguiente set list ‘Silent Scream’, ‘Mandatory Suicide’, ‘Seasons In The Abyss’, ‘Chemical Warfare’, ‘Dead Skin Mask’, ‘Postmortem’ y ‘Hell Awaits’ entremedio de esos temas, a unos metros cae una bengala encendida cerca mío, no importa no pesco esta noche nada mi distrae mi atención si no es la música…en galería a lo lejos un individuo en un acto de exhibicionismo y locura se desnuda y salta con la cara tapada bajo las gritos y burlas de la galería.

Pero todavía quedaba lo mejor el remate el gran final de esta masacre, el infierno nos tenía reservado su macabro final…suenan los acordes de Reign in Blood las 12.000 personas estallan en una catarsis de locura pero esto no queda ahí. El final llegó con ‘South Of Heaven’ y como no podía ser de otra forma, seguida por ‘Angel Of Death con un lombardo inspirado tocando el tema mas rápido y con un solo de doble bombo haciéndonos creer que estamos en un campo de exterminio, como dice la letra de la canción, al final saca aplausos del respetable que ya a esa hora estaba en el 5to infierno. En resumidas cuentas lo mejor que he visto este año.

11:00 busco desesperadamente una botillería la encuentro me compro una cerveza austral en lata me fumo un cigarro. Mi meta mi fin, el bar de Rene carrete hasta que amanezca…pero esa es otra historia.

AUTOR: MANUEL PAVEZ

1993, El año que el death metal nos sorprendio a todos

En la década de los noventa se desarrollo una forma de ver el metal completamente distinta a lo que se hacia en los 80, un estilo que dejaba de lado su sonido y lo llevaba a su forma mas oscura. Fue así como tres bandas que partieron a fines de esa década fueron desarrollando un estilo y una forma de ejecutarlo de manera muy propia y particular con temáticas completamente distintas unas de otras, es así como Morbid Angel, Carcass y Death en 1993 logran sacar lo que para mi significó una revolución dentro del death metal, estilo que ya por esos años estaba bastante desarrollado.

Estas tres bandas llevaron dicho estilo aun nivel técnico que en esos años se desconocía, logrando un sonido único haciendo que la brutalidad de sus composiciones fueran denominadas como un death metal de avanzada. Fue tal el fervor y el revuelo que causaron estas bandas que surgieron una serie de mitos acerca de ellos. Como por ejemplo que Richard Brunelle guitarrista de Morbid Angel había sido expulsado de la banda por que lo habían pillado asistiendo a misa, que los músicos de Carcass eran médicos forenses y que el vocalista y guitarrista de Death Chuck Schuldiner mataba a todos sus integrantes y por eso cambiaba de formación en todos sus discos.

1993 fue año en el que salieron tres grandes discos y piezas fundamentales para lo que será el desarrollo del death metal mundial, Morbid Angel nos sorprendía con Covenant, Carcass con Heartwork y Death con Individual Thought Patterns .

Death con Gene Hoglan (batería) de Dark Angel , Andy LaRoque (King Diamond) y Steve DiGiorgio son los realizadores de este tremendo álbum. El vídeo clip: The Philosopher junto a esta formación de lujo hacía que este disco fuese diferente, aportaba nuevas ideas dando frescura en sonido y gran tecnicismo por parte de sus músicos. Con letras con un alto contenido intelectual y social.

En tanto Morbid Angel con su disco Covenant fue la primera banda de Death Metal que firmaba con una discográfica importante, con letras oscuras y apocalípticas esta mítica banda, en esa época convertida en trío, nos demostraba con toda su furia y técnica que iban a convertirse tarde o temprano en los reyes indiscutidos del death metal, Covenant es un disco que comienza de una manera muy brutal con su tema Rapture y termina de manera muy oscura con God of Emptiness un disco que sin lugar a dudas marcó lo que sería la pauta para el sonido del death metal estadounidense.


Por su parte Carcass con la salida al mercado de Heartwork el sonido de la banda evoluciona hacia un aspecto algo más comercial, con fuertes influencias de Kreator y en general el thrash europeo. Sin caer en la copia esta banda consigue mantener el nivel de agresión pero ahora unido a estribillos pegadizos, incluso coreables pero con un feeling poco visto en el estilo, con solos que casi nos recordaban el heavy metal. Esta banda fue la que mas giró su sonido ya que partieron haciendo un grindcore brutal y extremo hasta llegar a un sonido por llamarlo de alguna forma "mas pegajoso". Carcass se convirtió en la banda pilar de lo que seria el sonido del death metal europeo marcando la pauta musical y mostrando una gran desarrollo en lo técnico.


1993 fue un gran año para del death metal, un año en donde se marcó un cambio en la ejecución y el desarrollo de las bandas dando paso al tecnicismo brutal, un año en el que todo el mundo hablaba de la "evolución" a través de zines o folletos que circulaban en las tiendas del paseo las palmas y que con el paso de los años se convirtió en una año de culto para lo que seria el metal actual.

Ahí les dejo los links para poder descargar los discos.

http://rapidshare.de/files/17085968/morbid_angel_-_covenant.zip.html

http://rapidshare.de/files/24493262/Carcass_-_1993_-_Heartwork_gym_-_rf47.rar

http://rapidshare.de/files/19533641/07-Individual_Thought_Patterns_1993.rar

Discos Indispensables II

En las lejanías del año 1968, cuando Jimmy Page dejaba a los bluseros The Yarbirds, banda en la que también participaron Eric Clapton y Jeff Beck, comenzaba a forjarse una de las grandes leyendas de la música popular, uno de los pilares del Hard Rock y del Heavy Metal en su más pura expresión. En esos instantes, en medio del vértigo y la locura Hippie comenzaban a reunirse John Paul Jones, Robert Plant, John Bonham y el mismísimo Page pariendo nada más y nada menos que a Led Zeppelin.

Aún haciendo gala a las influencias marcadamente bluseras, los primeros trabajos de Zepp se llevaron a cabo dentro de ese contexto definiendo calaramente cual sería la tónica en la primera parte de su carrera. Sobre todo en el debut de Led Zeppelin I con temas como Babe i'm gonna leave you, el cachondón temazo You shook me y I can't quit you baby, todos con letras claramente post adolescentes pero adornadas con la exquisita candencia del blues. En Led Zeppelin II la cosa se puso algo más ruda y con un sonido que comenzó a mostrar la veta rocanrolera de la banda, temas como Whole lotta love y Heartbreaker entregan los argumentos necesarios sin olvidar, por cierto, la grandelocuecia que Moby Dick regala mostrando a quien sería un verdadero suceso dentro de la banda, John Bonham.

Haciendo un pequeño recorrido por Led Zepplin III encontramos el que para mi es el primer gran clásico de la banda, Inmigrant Song, temón que patea cabezas apenas pones play en tu equipo. Un repaso por el blues de Since I´ve been loving you y llegamos a 1971 para deleitarnos con Led Zeppelin IV, un disco cargado de clásicos, quizá el más influyente de la historia de la banda, a través del cual lanzan al mundo temas como Rock and Roll, Black Dog y Starway to Heaven, todas canciones con el rótulo de inmortales.

En 1973, entregan un gran disco llamado House of the Holy, en esta época se generaban los primeros vientos de cambios en la forma de hacer música en la banda. Claramente evocando nuevas influencias y sonidos se convirtió en el puente perfecto para lo que en dos años más sería la muestra de madurez del grupo. No obstante, House of the Holy junto a Led Zeppelin IV merecen espacio a parte, y en particular el disco del 73 creo que debería ser analizado y comentado por uno de mis colegas de este blog quien lo tiene como Indispensable dentro de su colección.

En 1974 Led Zeppelin da vida a su propio sello discográfico, momento crucial en la historia del cuarteto, conviertiéndose como debut de la nueva empresa el fabuloso disco doble Physical Graffiti, de 1975, una placa considerada hasta hoy como uno de las mejores de la banda y en lo personal como el Indispensable II de mi colección.

Saliéndose de los cánones más rígidos del rock and roll, Zepp mostró sin temor alguno las nuevas influencias que marcaron la creación de tan monumental disco. 15 cortes componen esta joya, que denotan una evolución artística en todo sentido, desde la ejecución de cada uno de sus instrumentos - incluyendo la forma de cantar y uso de la voz de Robert Plant- influencias, sonido de cada ejecución y calidad en el resultado final de la grabación propiamente tal.

Custar Pie y The Rover, dan inicio al viaje del zeppelin británico, dos temas de melodías pegajosas, de bases rítmicas sutiles que acompañan y dan sustento a las primeros escapes de las 6 cuerdas de Page. Con líricas si bien mejor trabajadas que en años anteriores, no difieren mucho en cuanto a temáticas, pero siempre en esa línea sensualota, cachondona, insinunte y acalorada, dirigiendo el curso perfecto de la combinación letra y música.

A continuación el primer corte que nos dice "se viene algo monumental" In my time of Dying - tema original de Blind Willie Johnson y grabado en los años 30 por Josh White, y en 1962 por el eterno Bob Dylan en su álbum debut - nos entrega un grito desesperado en los últimos momentos de vida, son 10 minutos de una trágica súplica por levantarse y seguir en el camino de la vida, frases como "Jesus, gonna make up my dyin' bed. Meet me, Jesus, meet me. Meet me in the middle of the air If my wings should fail me, Lord. Please meet me with another pair" sólo reflejan la desesperación y angustia y por oro lado nos entrega una nueva forma de hacer letras, ocupando elementos casi psicodélicos y extraterrenales que comenzaron en el disco anterior. "Hear the angels marchin', hear the' marchin', hear them marchin', hear them marchin', the' marchin' Oh my Jesus...Oh, don't you make it my dyin', dyin', dyin'...cough" dan final al angustiado rezo en las puertas de la muerte. Además, es destacable la soberbia actuación de John Bonham en la percusión, denotando que a esas alturas era el gran baterista de la escena rocanrolera, mostrando porque se le comenzaba a considerar un músico que cambiaría la manera de tocar los tarros.

House of the Holy es el corte siguiente, canción que por cierto no se incluye en el disco homónimo, una extraña mezcla lírica entre la lucha del hombre con satanás, una apología al poder de la música mezclada por elementos difusos en cuanto a constitución de frases y significados se complementan con una melodía bastante pareja, agradable, donde destaca el trabajo de Page en la guitarra, con arreglos y detalles sutiles que a mi juicio se acerca bastante a una composición mas popera argumentando de esta manera las variadas influencias que dan vida a este disco.

Luego de esto comienza el verdadero vértigo, el camino al climax, a continuación uno de mis temas favoritos, Trampled under Foot, una canción potente, fuerte, de ritmo candente y poderoso, más rápida y que las anteriores, la hermosa mixtura bajo - guitarra da pie para la entrada de la batería y la impecable voz de Plant para comenzar el coqueteo infernal del amor y el poder de la seducción, claras aluciones a las estimulaciones sexuales con metáforas mecánicas reflejadas en frases como "Greased and slicked down body, groovy leather trim I like the way you hold the road, mama, it ain't no sin" "Baby, I could work all night, believe I've got the perfect tools". Maravillosa manera de ofrecer amor sólo como un rocarolero lo sabe entregar.

Complementando esta invitación viene la sección mas hot del disco que hace que el Physical sea de aquellos trabajos dignos para acompañar jornadas de amor sexual. El exquisito Kashmir, con una rítmica única e irrepetible, con la solidez de una base de batería envidiable, con sutiles cambios de ritmo que intesifican la fuerza interpretativa de los instrumentistas dirigidos por John Paul Jones en un teclado impecable.

In the Ligth, continúa esta zaga de melodías celestiales, hechas para amar. Maravillosa de principio a fin, debe tener una de las interpretaciones mas sexy que un cantante masculino haya ofrecido hasta entonces. Ambos temas tienen letras complejas, dificiles de interpretar. Sin duda estos cortes manifiestan el climax del disco para dar paso a una segunda parte de excelencia con temazos como Down by the seaside, algo medianamente blusero en Ten years gone para romper toda esa candencia que traía el disco con el entretenido ritmo de Night Flight pero con una letra más bien trágica para pasar al rocanroleo de The Wanton Song que nos regala la exquisita frase "With blazing eyes you see my trembling hand. When we know the time has come Lose my senses, lose command Feel your healing rivers run".

Así nos vamos acercando al final del disco con composiciones absolutamente disímiles a las anteriores, demostrando - insisto - la gran variedad e inspiración creativa en la que se encontraba la banda en aquella época. Rock And Roll, Soul, celta, música india, árabe, folk y country son las melodías que a simple oído podemos identificar en esta creación magnífica, composiciones que fueron presentadas a los fans en una gran gira mundial cuyas actuaciones en directo fueron apoteósicas y multitudinarias, las cuales se interrumpieron ese mismo año cuando Robert Plant sufrió un grave accidente automovilístico en la Isla de Rodas, que fue seguido por una difícil y larga recuperación que se extendió aproximadamente un año.

Una gran obra que pasó a la historia de la música en manos de la mejor banda de rock and roll que ha existido y existirá, la única capaz de seguir viva a pesar de apagar los motores en los comienzos de los 80. Hasta la fecha, se han vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 109 millones de ventas sólo en EE.UU. Led Zeppelin es la banda con más discos de diamante de la historia de la música, junto a los Beatles. Los discos que nutren esta selecta vitrina son Box Set (10 millones), Led Zeppelin II (12 millones), L.Z IV (22 millones), Houses of the Holy (11 millones) y Physical Gafitti (15 millones).

El camino de la excelencia acabó el 25 de Septiembre de 1980 cuando, por culpa del maldito Vodka, John Henry (Bonzo) Bonham muere a los 32 años y la banda en vez de buscar reemplazante decide no seguir pues tenía la convicción que nada sería igual sin que arriba del escenario estuviran los 4 hermanos reunidos como lo habían hecho los últimos 12 años.

Ficha:
Jimmy Page - Guitarra Acoustic y eléctrica.
Robert Plant - Harmonica, Voz
John Paul Jones - Bajo, teclado y melotron.
John Bonham - Batería.
Peter Grant - Productor ejecutivo.
Ian Stewart -Invitado en Piano.

Disco:
Custard Pie" (Page/Plant)
"The Rover" (Page/Plant)
"In My Time of Dying" (Page/Plant/Jones/Bonham)
"Houses of the Holy" (Page/Plant)
"Trampled under foot" (Page/Plant/Jones)
"Kashmir" (Page/Plant/Bonham)
"In the Light" (Page/Plant/Jones)
"Brin -Yr-Aur" (Page)
"Down by the Seaside" (Page/Plant)
"Tean Years Gone" (Page/Plant)
"Night Flight" (Jones/Page/Plant)
"The Wanton Song" (Page/Plant)
"Boogie with Stu" (Bonham/Jones/Page/Plant/Stewar/Valens)
"Black Country Woman" (Page/Plant)
"Sick Again" (Page/Plant)

Temas para Bajar:

Trampled Under Foot

Kashmir

In The light

Discos Indispensables I

Seguramente cada uno elabora una lista personal de aquellos discos que necesariamente tienen que estar en la colección. Sin importar el grado de admiración o fanatismo por una banda siempre existen placas que por si solas su presencia en la torre de los Cds, cajón de los caset o guarida de los vinilos se convierte en un deber. Incluso si vamos más lejos, ni siquiera es importante si es original, grabado, conseguido, de cuneta o ese que nunca le devolviste a alguna chica con la cual la ruptura no fue de las mejores ¡que importa como! ¡lo tengo y eso basta!

En mi caso existen todas esas alternativas y curiosamente dentro de esas placas favoritas, indispensables, la mayoría no son originales y es una deuda que debo pagar a mi mismo cuanto antes. En esta seguidilla de artículos denominada Discos Indispensables voy a comentar aquellos trabajos de bandas disímiles tanto en épocas como en historia, diferentes en mi admiración por sus carreras y por el discurso de principios que cada una profesa, sin embargo el punto principal es la obra en particular, el disco en cuestión, el álbum que es escuchado una y otra vez que invariablemente evoca sensaciones de profundo agrado y satisfacción a cuanto sentido se estimule con sus melodías.

Pensado cronológicamente, el primer trabajo es de Pink Floyd y se llama Dark Side of the Moon, editado el 24 de Marzo de 1973, un año en que el mundo se nutrió de muchos sucesos socio políticos en diferentes latitudes y que por otra parte vio nacer esta obra que hasta el día de hoy es referente para cualquier músico.

Perturbadoras risas masculinas y lamentos femeninos dan comienzo a Speak to me, un pequeño corte que entrelaza las primeras emociones para dar paso a melodías suaves, bellas, listas para el despegue hacia un viaje sin final, sin destino, al extraño mundo de Pink Floyd. Un periplo que alcanza la velocidad crucero en Breathe in the Air, pasaje en el cual la calma se confunde con la atmósfera de una loca carrera sintetizada en On the Run. Momento inédito en el modo de uso de sintetizadores, una clara búsqueda de nuevas dimensiones musicales. Los temas Time y The Great Gig in the Sky ponen el climax a la primera parte del disco. El gran espectáculo en el cielo marcado por el sólo de la corista Clare Torry, apoyada en los "backing vocals" por Doris Troy, Leslie Duncan, Liza Strike y Barry St Jhon. Hasta hoy marcan territorio como dueñas y señoras en el arte de emocionar al público con sendos solos vocales, irrepetibles y únicos. Un salto a la majestuosidad lírica.

La segunda parte de la placa comienza con la sobre explotada y archiconocida Money que a pesar del manoseo sufrido por años no ha desgastado la solidez del Saxo de Dick Parry acompañado por una magistral base de bajo y batería. La actuación de Nick Mason en la percusión se repite en todo el tema alcanzando su plenitud en medio del soleo de Gilmour, produciendo en ese instante la diferencia entre Floyd y las demás bandas del planeta, quiebre representado desde mi visión, en la siguiente pista titulada US and Them - nosotros y ellos - donde el trío saxo - guitarra - teclados nos sobrecogen con una sinfonía de suavidad acentuada por la limpia voz de Waters, llenando el aire de emociones tales de erizar la piel del más duro de los rockeros. Un largo tema que en ocasiones nos lleva al relajo de los sentidos para explotar en sonidos envasados iniciando la carretera musical de colores propios en Any Colour you Like, dirigido por una combinación de sonidos sintetizados, procesados por máquinas floydianas, de esas que no hacen más que seguir el viaje único y personal sin temor a verse eclipsado siquiera por algún daño cerebral.

En resumen, un disco que marca un antes y después en Pink Floyd, un primer desmarque a la influencia de Syd Barret para abrir las puertas al toque Waters - Gilmour. Una placa irrepetible en la historia del rock, el paso perfecto desde la locura incontenida de la sicodelia hacia la maestría y reposo de lo sinfónico y progresivo. Un disco para disfrutarlo frente al mar, mirando olas, cerveza en mano y con el cerebro totalmente estimulado. De otra mandera no podríamos creer que fue hecho hace 33 años ni entender porque ha vendido 35 millones de copias desde aquel lejano marzo del 73.

Ficha:

• David Gilmour: Guitarra, voz y VCS3.
• Nick Manson: Percusión y efectos de grabación.
• Richard Wright: Teclados, voz, VCS3.
• Rogers Waters: Bajo, guitarras, voz y VCS3
• Producido por Pink Floyd. Grabado en los estudios Abbey Roads, Londres. Inglaterra, entre junio de 1972 y enero de 1973.

Temas para bajar:

• Time (vivo)
• Us and Them (vivo)

The Reincarnation of Benjamin Breeg IRON MAIDEN (2006)

Esta es la portada del single “The Reincarnation of Benjamin Breeg”, del nuevo disco de las leyendas del metal Iron Maiden. El lanzamiento está pactado para el mes de agosto y el album que lo contiene “A Matter of Life and Death” para el dia 5 de septiembre de 2006. Ya mucha gente ha escuchado el nuevo tema de siete minutos de duración con reminiscencias del sonido rockero de los setenta, algo nunca antes experimentado por los Maiden. Les adelanto que para mi gusto la portada esta bestial y este nuevo tema, aunque no extraordinario, me parece bueno, eso si no creo que el album logre la majestuosidad de entregas anteriores, en realidad considero que desde Fear of the Dark que Maiden no lanza un albun bueno, sin embargo todo se dirá en septiembre.

Al escuchar “The Reincarnation of Benjamin Breeg” me pareció un trabajo interesante. But wait! who is Benjamin Breeg?… sí! ¿Quién es Benjamin Breeg?. Nadie sabe con exactitud. Se supone que es un pintor nacido en 1939 y que se perdió en 1978 . Su primo lo ha buscado incansablemente hasta ahora sin obtener resultados. Algunos creen que es una clase de enigma para ser resuelto por los fans, otros dicen que Benjamín Breeg es una referencia a Winston Churchill o el antiguo vocalista Paul Di’Anno, por ahora es un misterio.

Estos son los temas del nuevo álbum

1. Different World (Smith/Harris) 4.17
2. These Colours Don’t Run (Smith/Harris/Dickinson) 6.52
3. Brighter Than a Thousand Suns (Smith/Harris/Dickinson) 8.44
4. The Pilgrim (Gers/Harris) 5.07
5. The Longest Day (Smith/Harris/Dickinson) 7.48
6. Out Of the Shadows (Dickinson/Harris) 5.36
7. The Reincarnation of Benjamin Breeg (Murray/Harris) 7.21
8. For The Greater Good of God (Harris) 9.24
9. Lord Of Light (Smith/Harris/Dickinson) 7.23
10. The Legacy (Gers/Harris) 9.20

Más información en www.ironmaiden.com

Ramones / Ramones (1976)

Si hablamos de discos clásicos, de hitos musicales en la historia del rock, sin duda, éste es uno de ellos. Y no lo digo porque sea un fan irreductible de esta notable banda neoyorquina.

Reconocidamente, este disco breve y directo, pero a la vena, ha sido mencionado como la base fundacional del punk rock, al cual muchas bandas a lo largo del mundo aún continúan rindiéndole tributo.
Hablar de este disco sin referirme a sus integrantes sería un ejercicio inútil. Ramones estaba integrada por cuatro tipos barriobajeros que, probablemente, no habrían tenido mayores opciones en el sueño americano, de no ser por la música. Joey, el vocalista, había mostrado evidentes trastornos de aprendizaje, era más bien lento y su apariencia tampoco ayudaba mucho. Johnny, el guitarrista, era un matón de barrio; Dee-Dee, el bajista, un adicto a la heroína que, de acuerdo a lo que dice la leyenda negra, habría vendido su invicto para financiar su vicio. Por su parte, Tommy, el primer baterista, fue el más "sano"... quizás, por lo mismo, sólo participó en dos placas. En resumen: un puñado de perdedores que encontraron su redención en el rock and roll.

Después de dos años de deambular en bares de su natal distrito de Queens, en Nueva York (principalmente el ya legendario CBGB), la banda ingreso a estudios para grabar su primer disco, que tardó sólo 17 días de grabación.

En una época en que los sonidos dominantes eran el incipiente disco, el soul y el rock en sus diversas manifestaciones, Ramones irrumpía con un sonido transgresor, con temas de 2 minutos de duración, asfixiantes, rápidos, urgentes.

La temática representaba la realidad cotidiana de este cuarteto: consumo de drogas, letras románticas, referencias a películas clase B, disco que, en total, contabilizaba 14 temas comprimidos en 29 minutos.

¿Por qué ese disco tiene etiqueta de histórico? Porque con esta entrega, Ramones desarrolló un concepto musical y estético, que sirvió de influencia para muchas bandas. Sin esta placa, quizás no habríamos tenido Sex Pistols ni The Clash. Ambos grupos reconocen a esta placa y la posterior visita de los Ramones al Reino Unido, como un elemento catalizador de sus incipientes carreras musicales. Por otra parte, la estética de chaquetas de cuero sobre poleras gastadas, jeans raidos y zapatillas de lona se convirtieron en marca registrada de la banda y permanece hasta hoy, transversal a diversos estilos de rock.

Musicalmente, Ramones desarrolló un sonido propio y característico que, cambios más, cambios menos, se repetiría a lo largo de su trayectoria. Suelo hacer un paralelo entre AC/DC y los Ramones. Son estilos musicales bastante diferentes, pero ambas agrupaciones patentaron una forma y un estilo de hacer música. Las temáticas abordadas en sus canciones son parecidas y se trata de bandas que atravesaron décadas, siendo coherentes a su estilo y que –particularmente en el caso de los Ramones- murieron en la suya.

Menos palabras y más música: pongan este disco, suban el volumen hasta que reclame la vecina y a headbangear, como corresponde.

1. Blitzkrieg Bop2. Beat On The Brat3.Judy Is A Punk
4. I Wanna Be Your Boyfriend
5. Chain Saw
6. Now I Wanna Sniff Some Glue
7. I Don't Wanna Go Down To The Basement
8. Loudmouth
9. Havana Affair
10. Listen To My Heart
11. 53rd & 3rd
12. Let's Dance
13. I Don't Wanna Walk Around With You
14. Today Your Love, Tomorrow The World

Lovage - Music to make love to your old lady by - 2001

En la carretera musical podemos encontrar variados estilos que nos sorprenden durante los años. Músicos versátiles y experimentales, oídos que se afinan con el tiempo y sentidos que se abren con la edad, que amplian horizontes y comienzan, en ocasiones a tolerar sonidos que antes ni pensaban en disfrutar.

Una vez leí en un artículo algo sobre los departamentos de solteros, de la organización y la finalidad que tienen, recuerdo que decía algo así como "...de la puerta al sillón, pasando por un vino tinto, alguna comida bien preparada, ambiente y una discografía ad-hoc para que la velada no tenga otro destino que la cama y que la mujer de turno en cuestión no repare en abrir las puertas del cielo". Bueno, no hice más que terminar de leer y me sumergí en mi cdteca a ver que es lo que hacía tan real ese artículo, y claro todo comenzó a tener sentido cuando en la sección cachonda aparecían discos de blues, lounge, algún compilado de buenas baladas rocanroleras y sobre todo un disco que alguna vez un amigo me regaló justamente porque "cuando estés con alguna chica, este no falla".

16 cortes componen esta placa de Lovage que de la mano del productor Dan "The Automator" Nakamura, recluta a Mike Patton (Faith No more, Fantomas, Mr Bungle) y la estupenda y sensual Jennifer Charles, reproduciendo una perturbadora, sexy, húmeda y caliente hora de música pensada para disfrutar del mejor sexo con tu chica, dejando brotar las pasiones y desatar las fantasías más ocultas al ritmo de un trip hop pegajoso, meloso, en ocasiones malévolo y candente. Atmósferas que transportan por pasajes de relajo y suavidad, casi como una lengua paseando por alguna suave espalda sudorosa para terminar en temas que agarran de tal forma que es imposible escapar a los embates de la carne. Eso es Lovage, pero lo más especial es que todas esas atmósferas están pensadas, hechas, estructuradas para disfrutarlas con una mujer especial y no con cualquiera que hayas encontrado en alguna noche de bar y rocanrol.

Entre los temas que destacan en este disco debo empezar por nombrar Strangers on a Train, un verdadero juego erótico, entre dos "desconocidos" que se encuentran en un tren; se enredan en un diálogo que se podría denominar un "descarado camino a la lujuria" en que la coqueta y sensual voz de Charles se trenza en una lucha de poder por dominar a un Patton que a esas alturas sólo debe pensar en que cualquier carro del tren sería bueno para la acción. Pero sin duda el climax del disco se alcanza con el temón "Sex (I´am)", una composición que no es erótica ni sensual, es lisa y llánamente una oda al sexo. Las líneas melódicas llevan indesmetiblemente a un orgásmo tanto a los ejecutores como a quienes lo escuchan, acompañados por letras explícitas en que ella, usando sus dotes líricos, se entrega mansa y dispuesta como una gata en pleno agosto a las manos de un macho listo para penetrarla con todo el poder de la testorterona. Y si no me creen simplemente escuchen la letra y lo entenderán, déjense llevar por las melodías más cachondas que encontrarán jamás y por la voz de una Jennifer Charles que sin duda evocará los más básico de vuestros instintos.

Luego la instrumental llamada Koala's Lament, compuesta por el sampleador Kid Koala, donde baja las revoluciones ocasionadas en el orgásmico tema anterior. Es de aquellos cortes pensados en quienes acostumbran fumar un cigarro después de una buena sesión de sexo, acariciando el cabello de la mujer que brindó tan sublimes momentos. El resto del disco descúbranlo, ojalá acompañados.

Aunque mis palabras anteriores parezcan un comentario a una placa hecha para follar sin sentido, debo insisitir en algo que quizá no repararon al leer, este trabajo está hecho para disfrutarlo con una mujer especial, es el acompañamiento perfecto para una velada romántica, hablando a los ojos, brindando con un buen vino en copas de igual calidad, en una atmósfera de conquista, romance, pasión y ojalá amor. Está hecho para acompañar palabras al oído, invitaciones a la locura, para entrelazar las manos y terminar donde quieran terminar. Ojalá con alguna vista panorámica hacia alguna bahía y con la luna llena como única testigo de lo que se viene...


Los temas son:

• Ladies Love Chest Rockwell
• Pit Stop (Take Me Home)
• Anger Management
• Everyone has a Summer
• To Catch a Thief
• Lies and Alibis
• Herbs Good Hygiene & Socks
• Book of the Month
• Lifeboat
• Strangers on a Train
• Lovage (Love that Lovage, Baby)
• Sex (I'm a)
• Koalas Lament ( Instrumental )
• Tea Time with Maseo
• Stroker Ace
• Archie and Veronica

Las líricas las pueden encontrar en http://www.alwaysontherun.net/lovage.htm

Temas para descargar:

• Stranger on a Train
• Sex (Iam)

Slayer "Christ Illusion" (2006)

Recordando septiembre del 94 para ese ya mítico Monster of Rock, el primer y verdadero festival de rock hecho en Chile, al recordar la actuación de Slayer esa noche en la estación Mapocho, fue simplemente un sueño hecho realidad para muchos metaleros. ¡Sencillamente increíble! de aquel entonces han pasado 12 años y el viernes 9 de septiembre próximo se presentaran por primera vez con un show propio en su tercera visita a nuestro pais.

Slayer esta de regreso con un álbum impresionante llamado "Christ Illusion", el cual trae 10 cortes de un muy buen Thrash metal muy en la línea del sus últimos trabajos pero a ratos nos hace recordar clásicos como Reign in Blood y South of Heaven. 10 temas muy parejos uno del otro un disco que en lo personal me vasto escucharlo una vez para comprobar que se trata de un gran material y si se escucha mas de una vez puede llegar a ser facilmente un disco de cabecera durante un par de semanas y tal vez convertirse en un clásico de la banda, pero eso sólo el tiempo lo dirá.

Al referirse a este nuevo trabajo, Kerry King guitarrista de la banda señala "Me encanta. Me gustaba muchísimo God Hates Us All y creo que ese era nuestro mejor disco desde Seasons In The Abyss, pero creo que Christ Illusion es aún mejor. Es más completo y musicalmente mejor: todas las interpretaciones son geniales. Creo que es más intenso, no porque estemos intentando hacer 'Reign In Blood: The Sequel,' si no porque es hacia donde nuestra forma de escribir nos está llevando."

En mi modesta opinión esta visita no se puede dejar pasar por ningún motivo. Yo mismo casi no escucho Slayer pero disfrutarlo con material nuevo después de tantos años revitaliza mis ganas de seguir escuchando Thrash metal.

Los pioneros del Thrash Metal más extremo vienen el país con su formación más clásica, que incluye: a Tom Araya en las voces y bajo; Kerry King y Jeff Hanneman en las guitarras y el batería Dave Lombardo, retornado hace poco tiempo al grupo.

Temas del disco

1. Flesh Storm
2. Catalyst
3. Eyes Of The Insane
4. Jihad
5. Skeleton Christ
6. Consfearacy
7. Catatonic
8. Black Serenade
9. Cult
10. Supremist

Si desean bajar el disco este es el link

http://rapidshare.de/files/27016211/Slayer-Christ_Illusion_By_www.charles_manson.cl.nu.rar.html

Vianda de Ayer / Retrospectiva 1991 - 2002 · Divididos

Por lo general, no soy de los que compran discos Grandes Éxitos. En este caso, fui fiel a la premisa. Hace unos meses me regalaron "Vianda de Ayer", el disco antología de Divididos.
Para ser sincero, si no me lo regalaban, no lo habría comprado. Pero dicen que a caballo regalado no se le mira el diente.
Leí el listado de títulos de la carátula y, de entrada, me pareció decepcionante. Ni un sólo track nuevo que fuera la excusa para lanzar el disco. No obstante, lo puse en el discman (aún no me da para I Pod, pero estamos en eso) y pude escuchar las mismas canciones mil veces escuchadas y vaciladas y, luego de una o dos pasadas, llegué a la conclusión que se trata de un gran disco... de antología.
En primer término, creo que la banda liderada por la dupla Mollo-Arnedo acierta a través de una óptima selección de temas, que dan buena cuenta de lo que ha sido la trayectoria del trío. Por cierto, incluyen un par de imperdibles como "Que ves" o "El Arriero", de "La Era de la Boludez". Pero también incluyen temas menos escuchados, pero que son un alarde de genialidad, como la baguala "Vientito del Tucumán", de "Gol de Mujer"; o la oscura "Como un cuento", de "Narigón del Siglo".
Por un lado, se pasean por casi todos los trabajos de la banda y, al mismo tiempo, reflejan a través de las canciones los diferentes estilos por los que la banda se desenvuelve con comodidad y estilo. Además, incluyen el ya clásico potpourri de Sumo, que describe de buena manera la potencia que el trío ofrece en vivo.
¿Qué más puedo decir? Que recomiendo el disco a quienes no conocen tanto de Divididos. Como una suerte de curso "Divididos para principiantes". Pero, al mismo tiempo, un disco para ya iniciados, con una selección de temas que cualquier fanático habría escogido dentro de sus favoritos.
Sólo me cabe preguntarme por qué no incluyeron ningún corte de "Otro le travaladna".

divididos desde siempre
desde el aula hasta el bar
pero algo nos juntó...

01 La ñapi de mamá
02 Spaghetti del rock
03 Pepe Lui
04 Alma de budin
o5 Par mil
06 Cajita musical
07 Luca
08 Potpourri (En vivo): El ojo blindado / Estallando desde el océano / Mejor no hablar de ciertas cosas / Haciendo cosas raras
09 El burrito
10 Ala delta
11 ¿Qué ves?
12 Como un cuento
13 Vientito del Tucumán
14 El arriero
15 El 38 (En vivo)

Glenn Hughes - Soul Mover

Tengo el agrado de comentar un disco que, a mi juicio, prácticamente alcanza la perfección en cuanto a ejecución de cada uno de los músicos participantes, en el cual combinan la potencia del rock clásico con el ritmo y la candencia del Funk. Este trabajo pertenece al músico inglés Glenn Hughes, que entre su trayectoria destaca su participación como bajista de Deep Purple a mediado de los 70, banda con la cual grabó tres discos, imprimiendo un sello R&B que claramente no volvió a tener esa clásica agrupación luego de su partida. Asimismo, en la década del 80 participó como vocalista de los británicos Black Sabbath y en los últimos años ha grabado un par de discos con el Sr. Iommi, líder de esta mítica agrupación (discos de gran factura y con la oscuridad propia BS).

Además, destaca la elegante y sólida participación del baterista Chad Smith, quien tiene como responsabilidad las bases en Red Hot Chili Peppers. En lo personal, es uno de los bateristas mas pulcros y finos que he escuchado en materia de rock, sobre todo en este disco, en el cual alcanza una comunicación perfecta con las cuatro cuerdas de Hughes, creando una base sólida para el lucimiento de Dave Navarro en la guitarra, ex guitarrista de Red Hot y Jane´s Adiction.

Esta placa consta de 12 temas finamente elaborados que trasnportan por emociones llenas de poder representadas en las sinfonías rocanroleras de la vieja escuela mezcladas de manera magistral con la rítmica que sólo el funk puede entregar que en ocasiones acaricia la sensualidad para terminar con verdaderos azotes de fuerza en solos de guitarra desgarradores y finos a la vez todo acompañado de la siempre joven y vital voz de Glenn Hughes, que tal como lo hizo en los setenta nos deleita con ese timbre inconfundible que lo hizo conocido como la voz del rock and roll.

Sin más, invito a los amantes del rock y el funk a escuchar la placa de Glenn Hughes llamada Soul Mover (2005).

Se puede obtener un preview desde http://www.mp3spy.ru/ previa inscripción gratuita. O como corresponde, comprarlo en su disquería favorita. Mas información en http://www.glennhughes.com/

Descarga 2 temas del disco.

Soul Mover

She Moves Ghostly